Actualización de la página MANUAL BÁSICO

Os informamos que hemos actualizado la página "MANUAL BÁSICO para TODO ALUMNO DE PIANO". Recordad que es una página pensada para vosotros, los alumnos que os estáis iniciando en este mundo del piano.

Esperamos que os sea de ayuda.

Historia del piano. Sus antecesores: CLAVICÉMBALO... instrumento de CUERDA PULSADA

Como decíamos en una publicación anterior, además del clavicordio, uno de los antecesores de nuestro piano es el clavicémbalo o clave que junto a la espineta y el virginal se diferencian del clavicordio en la forma en que se produce el sonido.

Clavecín de P. Faby, de 1677. Expuesto en La Cité de la Musique de París

El clavicémbalo recuerda por su forma a un gran piano de concierto, aunque más estrecho. La espineta es un polígono con forma de ala y el virginal es rectangular. (La espineta y el virginal son versiones reducidas del clavicémbalo).  

Las cuerdas de alambre del clavicémbalo se extienden desde donde se sienta el intérprete, como si fuera un piano de cola, mientras que las de espinetas y virginales van de izquierda a derecha, como en el clavicordio. 

Su mecanismo básico es el siguiente: en el extremo de cada tecla hay una pieza de madera que se llama martinete, cuya parte superior está al mismo nivel de las cuerdas. Sobresaliendo del costado del martinete y descansando por debajo de las cuerdas hay una púa o plectro. Al oprimir la tecla se levantan el martinete y el plectro, que pulsa las cuerdas al pasar, produciendo el sonido. La cuerda se amortigua gracias a un pedacito de fieltro unido a la parte superior del martinete, dejando de sonar la nota. 

Espinetas del siglo XVI. La Cité de la Musique de París

 El clavicémbalo tiene con frecuencia dos y a veces hasta tres teclados. Suele poseer más de un grupo o juego de cuerdas, junto con los martinetes y plectros necesarios para hacerlas funcionar. Mediante registros o tiradores accionados con la mano o los pedales el intérprete puede usar el grupo de cuerdas que quiera o combinarlos según los necesite. Con todo ello se consigue un sonido mucho más fuerte y brillante que el del clavicordio.  De todas maneras no hay variaciones de la intensidad del sonido, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente; sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. Esta es la razón de que en las obras escritas para clavecín no encontremos indicaciones dinámicas por parte del compositor.

 Debido a sus limitaciones tímbricas, la espineta y el virginal eran básicamente instrumentos para tocar en casa.

Virginal de 1583. La Cité de la Musique de París

 El clave ha tenido un importante papel en la música académica europea desde el siglo XVI hasta el XVIII y, después, en el siglo XX, ya sea como solista, como acompañante o a solo, teniendo su edad dorada en el Barroco, para después caer en el olvido en el Romanticismo y resurgir con fuerza en el siglo XX.

Os ofrecemos unos fragmentos de cuatro Pequeños Preludio de Johann Sebastian Bach, interpretados por Gustav Leonhardt.

Ahora os presentamos una interpretación de la Toccata XVI de Sweelinck en un virginal.

Para finalizar os dejamos con el sonido de una espineta.

Historia del piano. Sus antecesores: CLAVICORDIO...instrumento de CUERDA PERCUTIDA

Tal vez desconozcáis que antes del piano ya existían instrumentos de teclado que se pueden considerar como sus antecesores: el clavicémbalo y el clavicordio.

Los primeros compositores no se preocupaban mucho de distinguir entre un instrumento de teclado y otro. 

Clavicordio posiblemente del siglo XVI construido por la escuela germana. Su decoración evoca la batalla de Lepanto. Actualmente expuesto en La Cité de la Musique de Paris

El clavicordio tiene forma rectangular y el teclado aparece en uno de los lados más largos, estando colocadas las cuerdas a izquierda y derecha del intérprete. 

En el extremo de cada tecla hay una pequeña hoja recta de metal que se llama tangente. Al oprimir una tecla, la tangente se eleva y golpea una cuerda, deteniéndola al mismo tiempo. Cuando se suelta la tecla, la tangente vuelve a su lugar y toda la longitud de la cuerda se amortigua gracias a un fieltro, dejando de sonar la nota.

A pesar de lo sencillo de su manejo, el clavicordio puede producir resultados muy sutiles, ya que el intérprete tiene el control directo de la cuerda en tanto mantenga oprimida la tecla.

El intérprete puede hacer un pequeño vibrato (rápida y casi imperceptible variación de la afinación) realizando un efecto con el dedo, llamado en alemán Bebung ('temblor'): hace variar la fuerza con que mantiene apretada la tecla mientras la tangente se encuentra en contacto con la cuerda. 

El clavicordio —a diferencia del clavicémbalo (también llamado "clave")— posee "respuesta al tacto", es decir, según la fuerza del ataque a la tecla se puede variar la intensidad, aunque ésta siempre será muy débil. 

A partir del mecanismo del clavicordio —que permite tocar con diferentes dinámicas entre el piano (suave) y el forte (fuerte)—, los italianos crearon el pianoforte (actualmente es el piano), que desplazó a sus dos antecesores, el clavicordio y el clave.

En oposición a esta sensibilidad especial, la potencia sonora del clavicordio es muy pequeña, por lo que fue un instrumento solista para ser utilizado principalmente en casa.

Comprobad su sonido en el Allegro del Concierto nº1 Kv 107 de Wolfang Amadeus Mozart.

RECONOCEMOS ESTILOS MUSICALES

Pensando en el recorrido que hemos hecho por diferentes Épocas Musicales, hemos creado, con muchísima ilusión,  un Libro Interactivo. Con él pretendemos ayudaros a repasar y reforzar características básicas de  distintas etapas musicales, reconocer conocidas audiciones de importantísimos compositores situándolas estilísticamente en ellas, utilizando para ello  actividades lúdicas y divertidas que esperamos  sean de vuestro agrado.

CLASICISMO, HAYDN Y SU SENTIDO DEL HUMOR

La obra de Haydn fue fundamental en el desarrollo de lo que se denominó forma sonata. Sin embargo, su práctica difiere en algunos puntos de las de Mozart y Beethoven. Haydn fue particularmente aficionado a la llamada «exposición monotemática», en la que el tema de la dominante es similar o idéntico al tema de apertura. Haydn también difiere de Mozart y Beethoven en sus secciones de recapitulación, donde Haydn a menudo reorganiza el orden de los temas en comparación a la exposición y utiliza un amplio desarrollo temático.

La inventiva formal de Haydn también lo llevó a integrar la fuga en el estilo clásico y a enriquecer la forma rondó con más cohesión tonal lógica. Haydn fue también el principal exponente de la forma doble variación (variaciones alternas sobre dos temas, que a menudo son los principales y en menor medida versiones el uno del otro).

Una característica inherente al estilo musical de Haydn fue su sentido del humor, y a lo largo de su obra encontramos varios recursos usados para crear efectos humorísticos.

La sorpresa

Haydn consigue este efecto utilizando silencios repentinos, cambios súbitos de dinámica o usando temas rapidísimos. El ejemplo más célebre es el de su Sinfonía 94 llamada “La sorpresa” (O “Golpe de timbal”). Como a Haydn le disgustaba que la gente fuese a los conciertos a dormir, sorprendió a la audiencia mediante un fortísimo súbito en el segundo movimiento.

La repetición

La repetición exagerada de un motivo puede generar incertidumbre. Haydn planificaba este tipo de juegos musicales para sorprender al público. Así, en la sinfonía nº 65 la nota "la" se repite hasta 24 veces. 



En otras sinfonías como la nº 70 se observan motivos de cinco notas  negras que también se van repitiendo. En el último movimiento de la sinfonía nº 86 se repite un motivo de cinco corcheas que vuelve a escucharse en la coda final.

La sinfonía 83 recibe el sobrenombre de “La gallina” por un pasaje de notas repetidas con el oboe que se parecen al cacareo de una gallina. Es la segunda de las seis sinfonías denominadas “París”.

La velocidad

También es usada con fines humorísticos, por ejemplo en el finale de la sinfonía 102, de forma rondó. Haydn usa aquí pequeños motivos que se suceden a toda velocidad.

Movimientos mecánicos y ostinati

El ejemplo más claro de uso de este recurso humorístico lo tenemos en la sinfonía del Reloj nº 101, cuyo nombre se debe al ostinato del fagot y el pizzicato de las cuerdas en la segunda frase. Pertenece al  grupo de sinfonías de Londres.

Las bromas

Tocar notas equivocadas o cambiadas, cambiar de modo inesperadamente, así como superponer canciones que tienen algo en común o contrastante (quodlibet), fueron otros de los efectos usados por Haydn.

Finales inesperados 

Haydn juega muy a menudo con los finales. Es común que use finales instrumentales en forma de danza que contrastan con el carácter solemne del resto de la obra, por ejemplo el final de la sinfonía 82 "El oso" basado en una danza croata.

Y el ejemplo más conocido es el de la Sinfonía de los adioses nº 45 que termina con los músicos yéndose uno a uno del escenario, quedando solamente dos violines, el del concertino y el del propio Haydn,   como reivindicación ante el príncipe Esterházy para conseguir vacaciones después de un período de intenso trabajo.

EL CLASICISMO Y HAYDN

Franz Joseph Haydn

Nace en 1732 en Rohrau, un pequeño pueblo de Austria cercano a Hungría. Fue el segundo de doce hermanos. Su padre Mathias tocaba el arpa y Joseph y sus hermanos crecieron escuchando música popular austríaca, húngara, morava y croata.A los cinco años fue enviado a Hamburg para continuar formándose musicalmente, por lo que desde temprana edad aprendió a tocar los instrumentos más usuales. 

Poseía una voz muy bella, siendo admitido con ocho años como niño cantor de San Esteban de Viena, donde recibió clases de voz, piano y violín. 

En 1749 su voz cambia, fruto de la edad y es expulsado del coro, quedándose en la calle sin dinero.

Después de hospedarse durante diez meses en casa de un tenor, se instaló en 1751 en una buhardilla de Viena y a partir de ahí vivió a base de dar clases y de acompañar el órgano en la iglesia de Kloster. 

En esa misma casa convivió con Pietro Metastasio, con quien aprendió italiano y Nicola Porpora, compositor operístico con el que aprendió canto y los fundamentos de la composición.

Posteriormente trabaja para el conde Morzin, para quien compuso divertimentos para instrumentos de viento, misas y su primera sinfonía. Se casó con Maria Anna Aloysia Seiler en 1760 , pero no fue un matrimonio feliz. En esta época compuso su primera ópera, “El diablo cojuelo”.

Nicolás Esterházy,
benefactor de Haydn

En 1761 pasa al servicio del príncipe Paul Anton Esterházy, cuya familia era una de las más ricas y poderosas de la monarquía de los Habsburgo. 

El sucesor de Paul Anton fue Nicolás Esterházy, quien sería el benefactor de Haydn durante los siguientes 30 años. Durante este período Haydn compuso hasta 125 divertimentos para el baritón, instrumento predilecto del príncipe Nicolás similar al cello. De esta época es también la Sinfonía de los Adioses.

A partir de 1780 deja de tener el contrato de exclusividad que le mantenía atado al príncipe Esterházy, por lo que puede publicar y difundir su música con más libertad. En esta época Haydn compuso sobre todo óperas.

En 1780 le nombran miembro honorífico de la Academia Filarmónica de Módena y empieza a a recibir encargos de diferentes lugares de Europa. De esta época es “Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz” así como las Sinfonías de París 82-87 y 88-92. En 1781 compone por encargo los Cuartetos op.33 o Cuartetos Rusos.

Baryton, instrumento de
cuerda frotada de la familia
de la viola da gamba.
Utilizado en el s. XVIII

Durante el reinado del Emperador José II conoce a Mozart y entre ambos se establece una influencia mutua, aunque cada uno mantuvo su personalidad.

Después de la muerte del príncipe Nicolás Esterházy en 1790, Haydn regresa a Viena.

Entre 1791 y 1795 se producen los viajes de Haydn a Londres, por encargo de Salomon, un empresario alemán. En Inglaterra cosechó un gran éxito y sus conciertos tuvieron una asistencia masiva. En Londres escucha los oratorios más importantes del compositor  barroco, Haendel, entre ellos  El Mesías.

En 1792 volvió a Austria y conoció a Beethoven, que le pidió ser alumno suyo de composición y contrapunto en Viena. Después de varias clases hubo un desencuentro entre ambos.

Vuelve a Londres en 1794 y escribe las llamadas Sinfonías de Londres, entre ellas la "Sorpresa", la "Militar" y la "Londres". 

A partir de 1795 es admitido en los conciertos del  rey Jorge III lo que le permitió cantar, tocar y dirigir para la familia real inglesa.

En 1796 vuelve a Austria para componer al servicio de Nicolás II, cuarto príncipe Esterházy para el que trabajó. En esa época compone sobre todo obras religiosas, misas y oratorios. De esta época es también el Kaiser Quartett o Cuarteto Emperador, que contiene el himno imperial austríaco y actual himno de Alemania.

En esta época Haydn trabaja también en un oratorio titulado La Creación  que se estrena en 1798.

En 1803 deja de componer. 

En 1808 se produce su última aparición pública con ocasión de su 76 cumpleaños, en un homenaje en el que se interpretó La Creación dirigida por Salieri. Tremendamente emocionado Haydn abandonaba la sala tras la primera parte, mientras Beethoven, asistente al homenaje, le besaba las manos.

Haydn muere el 31 de mayo de 1809 mientras las tropas de Napoleón invaden Viena.

Se considera a Haydn (junto con Mozart) el máximo compositor del clasicismo. Se le considera así mismo como el padre de la sinfonía, no solo por la gran cantidad de ellas que escribió sino por su participación como compositor en la consolidación de esta forma clásica. Escribió 108 sinfonías. 

Fue también un renovador de la sonata para piano. También fue autor de nueve conciertos para piano, doce conciertos para otros instrumentos, seis oberturas, además de minuetos, divertimentos y otras obras.

Para Música de Cámara compuso sonatas, tríos y sobre todo cuartetos, entre los que el más famoso es el del Emperador. Haydn compone cuarenta y cinco tríos para violín, violoncello y piano. En ellos, el papel del piano es muy destacado, de tal manera que podríamos denominarlos “Sonatas para piano con acompañamiento de violín y cello”.

Además, compuso Cantatas, misas, óperas y los oratorios “Las Siete últimas palabras de Cristo en la Cruz", "La Creación" y "Las Estaciones".

Como compositor de obras para piano nos interesa conocer sobre todo sus 62 sonatas, sus variaciones y sus danzas.



Os dejamos una versión de "La Creación" dirigida esta vez por el recientemente fallecido Sir Colin Davis.

CLAUDE DEBUSSY

Claude Achille Debussy (St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) fue el iniciador y máximo representante del  impresionismo musical y sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

 Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París donde tuvo como profesor de piano al célebre Marmontel, a Lavignac, y, en composición, a Ernest Guiraud. Con once años, el joven Debussy se dedicaba a improvisar y componer sobre los estudios de Czerny, para desesperación de su profesor, que le decía que, de esa manera, nunca llegaría a ningún sitio.

En el verano de 1880 trabajó como acompañante, como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del "grupo de los Cinco": Balakirev, Cuí, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov y Borodin.

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome", el que entonces era el más importante premio de composición del mundo con la cantata El hijo pródigo. Como premio, pasó tres años en Villa Médicis  que le resultaron muy enojosos, ya que no sentía inclinación alguna por el clasicismo romano y echaba de menos París.

Debussy buscaba  la salida hacia una nueva concepción artística y en este sentido Wagner le influyó muchísimo, como a la mayoría de músicos europeos. Lo que le llevó a encontrar un lenguaje propio fue su relación con literatos simbolistas (Mallarmé) y pintores impresionistas. Su descubrimiento del canto gregoriano le lleva a explorar la música modal y también le inspiran mucho las melodías  exóticas africanas y javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París.

A través de sus obras líricas para canto y piano podemos seguir su  evolución. Su única ópera Pelleas et Mélisande, fue muy discutida en el momento de su estreno y ya aplica muchas de las soluciones del Impresionismo musical.

En una segunda etapa, alcanza el primer plano de la producción de Debussy la música instrumental. Aquí es cuando compone sus Arabescos (1888) y  la Suite bergamasque (1890), para piano, así como el Cuarteto (1893) y el Preludio a la "Siesta de un fauno"(1892). Sobre todo a través del piano, el impresionismo musical de Debussy se desarrolla plenamente en obras como Pour le piano (1901), las Estampas(1903), La Isla Alegre(1904) y los dos cuadernos de Imágenes (1905-1907).

Golliwogg, personaje de la literatura infantil del s. XIX,
caracterizado  por su piel negra, labios de payaso, pelo rizado
y ojos ribeteados de blanco.

En 1908 compone la suite El rincón de los niños, dedicada a su hija Chouchou, en cuyo primer número, Dr. Gradus ad Parnassum, podemos imaginar a ese pequeño Debussy improvisando sobre los estudios clásicos, para rabia de su profesor Marmontel, así como disfrutar del número más famoso, Golliwogg’s Cake Walk, inspirado en unos muñecos negritos muy famosos en la época. Continúa con la que probablemente es su obra maestra, los dos tomos de los Preludios (1910 y 1913), el equilibrio definitivo de la composición moderna para piano.

Otras obras de Debussy para orquesta son El mar (1905), Imágenes(1909), y los tres Nocturnos (1899).

Hacia 1910  Debussy tiene una etapa de orientación clasicista que podemos observar en las sonatas escritas para varios instrumentos con acompañamiento de piano, las más famosas de las cuales son la Sonata para flauta, arpa y viola (1915) la Sonata para violoncello (1915) y la Sonata para violín y piano. En esta última etapa tenemos que destacar el oratorio El martirio de San Sebastián (1911).

Claude Debussy no ocupó cargos ni buscó jamás puestos estables; careció de discípulos y sí tuvo únicamente amigos, con quienes gustaba de hacer música, conversar y discutir sobre arte y poesía. Actuó frecuentemente como colaborador musical en diversas revistas, generalmente literarias, (los manuscritos de “El Señor Corchea”). En 1918, moría, amargado y conmovido profundamente por los desastres de la guerra. Su última obra para piano son los Doce Estudios, dedicados a la memoria de Chopin.

Aquí tenéis una grabación del propio Debussy en 1913, donde interpreta Golliwogg’s Cake Walk.

Ahora os ofrecemos la Suite Bergamasque, cuya tercera parte es el conocido "Claro de luna", interpretada en esta ocasión por el célebre pianista chileno Claudio Arrau. 

EL IMPRESIONISMO

Uno de los movimientos musicales y artísticos más originales, fructíferos e indispensables cuando hablamos del repertorio pianístico es el Impresionismo, que se desarrolla en Francia a finales del XIX y principios del XX.

A pesar de su gran importancia en la historia de la música, el Impresionismo se ciñe principalmente solo a dos autores: Debussy y Ravel.

Aunque durante mucho tiempo se dio más importancia a Claude Debussy, a partir de los años sesenta, la figura de Ravel se empezó a consolidar cada vez más, y su repertorio es muy estudiado, especialmente por su dificultad y virtuosismo.

Los principios del Impresionismo musical se empiezan a gestar en la serie de artículos periodísticos de Debussy: “El señor Corchea”.

Características del Impresionismo:

- Armónicamente está muy inspirado en la música oriental, así como en los antiguos modos griegos: se utilizan casi todas las escalas modales y también la pentáfona.

- Las obras siguen escribiéndose de acuerdo con una tonalidad, pero los conceptos de tónica, dominante y subdominante pasan a un segundo plano, siendo lo interesante la sonoridad y el efecto que se consigue con determinados acordes o arpegios.

Debussy acaba con la teoría de las disonancias y consonancias, estableciendo que cualquier nota suena bien con otra siempre que se consiga un efecto expresivo y sonoro.

"The Seine at Asnieres" de Auguste Renoir (1878)

- Uso exhaustivo del pedal para crear sonoridades. Ya desde el romanticismo no es válido pedalizar “a la negra” o “a la corchea”, sino que se pedaliza atendiendo a un criterio armónico. En el caso del Impresionismo el criterio es de sonoridad y muchas veces se indica de una manera sutil mediante notas ligadas que no pueden realizarse si no es con la ayuda del pedal, por ejemplo.

- Uso de todas las tesituras del teclado, así como de dinámicas extremas, de ppp a fff.

- Muchas obras están inspiradas en determinados efectos acústicos o incluso visuales: Reflejos en el Agua, Fuegos de Artificio.

Obras de piano que tenéis que conocer del Impresionismo:

Debussy: Los Preludios, Arabescos, Suite Bergamasque; Children’s Corner, Imágenes, Estampas, Estudios.

Ravel: Sonatina, Pavana para una Infanta Difunta, Miroirs, Gaspard de la Nuit, Conciertos para piano (en sol y para la mano izquierda).

Segundo movimiento del concierto en sol de Ravel por el gran Benedetti Michelangeli

Y el conocidísimo primer arabesco de Debussy, por Nikolay Lugansky

MOMENTOS DIVERTIDOS

Como uno de los apartados más activos de nuestro blog es el de la HISTORIA DE LA MÚSICA, queremos compartir con vosotros un divertido, ilustrativo e instructivo vídeo sobre la evolución de la música desde su creación hasta nuestros días. 

(Ojo, es TROVADORES y no "trobadores")

¡¡¡¡Esperamos que sea del agrado de todos vosotros!!!!

(Agradecimientos a Iván, uno de nuestros seguidores, por su aportación)

COMPOSITORES BARROCOS

Para hacer memoria, vamos a recordar 7 compositores barrocos muy conocidos, para ello debéis localizarlos en esta Sopa de Letras.

Actividad creada en Educaplay

FORMA MUSICAL BINARIA

Ahora que sabemos lo que es una forma musical y de hecho conocemos la estructura de una de las formas musicales más complejas  como es la sonata clásica, vamos a retroceder un poco para explicar lo que es una forma binaria (bipartita) y lo que es una forma ternaria (tripartita) .

Cuando analizamos una obra, la dividimos en motivos, estos motivos agrupados  en frases (por lo general de ocho compases) y estas frases dentro de  períodos. Varios períodos comprenden una sección dentro de una obra.

Cada una de las secciones cuenta con un tema principal.

Vamos a denominar con letras a las distintas secciones: A, B, C, etcétera y vamos a ver con qué tipos de esquemas nos encontramos.

Forma Binaria o bipartita

Está compuesta de dos secciones:  A y B. Es una de las más utilizadas en la Suite Barroca y típica de danzas como la Zarabanda, la Alemanda o la Giga.

Grigory Sokolov,  piano

Es muy común que cada una de estas secciones se repita por sí misma, dando lugar al esquema AABB (como es el caso de nuestro vídeo). También puede ser que solamente se repita una de las dos secciones: ABB o AAB.

Existen dos clases de estructuras binarias o bipartitas:

- estructura binaria abierta, en la que el reposo o cadencia de la segunda sección no es conclusiva, dando pie a una posible frase final perteneciente a la primera sección.

Por ejemplo: AB (Cadencia no conclusiva) A (parte de la frase perteneciente a la primera sección).

Ton Koopman, clavicordio o cembalo

- estructura binaria cerrada, en la que la cadencia principal de la segunda  sección sí está en la tónica, por lo que  el final es claramente conclusivo. 

Por ejemplo: AB (Cadencia perfecta).

Glenn Gould, piano

LA FORMA SONATA

Uno de los aspectos que tratamos en las colectivas, en la parte de análisis, es el de las formas musicales. Casi todos los que hacéis tercero o cuarto de elemental ya tenéis claro que una forma musical no es otra cosa que un tipo de composición que cuenta con una estructura determinada. Así como en poesía contamos con sonetos, églogas o cuartetos, en música contamos con sinfonías, preludios, óperas, cantatas, todas con un formato determinado.

Muchos de vosotros tocáis ya sonatas o sonatinas y es importante conocer que el modelo que conforma la sonata es uno de los más importantes en toda la historia de la Música, ya que se usa igualmente en la sinfonía y en el concierto. (Veremos que la sonata puede tener aún algún movimiento más, o incluso consistir en un movimiento muy largo protagonizado por varios episodios).

Durante el Barroco componían  trio-sonatas, para dos instrumentos melódicos con bajo continuo y  sonatas-suite barrocas, normalmente para instrumento solista con acompañamiento de clave, que consistía en un conjunto de danzas: Preludio, alemanda, sarabande y giga.

Más adelante, en el Clasicismo, siglo XVIII,  existen dos tipos principales de sonata para piano:        

• la bitemática, es decir, que usa dos temas, normalmente en un solo movimiento, como las escritas por Scarlatti y el Padre Soler,
• y la sonata clásica, que consta normalmente de tres movimientos y la que va a ocupar la mayor parte de este artículo.

El esquema de la sonata clásica consta de un tiempo vivo inicial, un segundo movimiento lento y un final vivo.

El primer movimiento puede empezar o no con una introducción, al que sigue la exposición, que consta de dos temas contrastantes. Por ejemplo, si uno es lírico, el otro suele ser rítmico.

Entre uno y otro tema, suele aparecer un episodio denominado puente que los enlaza.

Una vez terminada la exposición, aparece el desarrollo, la parte más complicada del movimiento musical y técnicamente hablando, en la que aparecen motivos del primer y el segundo tema pasando por varias tonalidades.

Después del desarrollo se produce la reexposición, es decir, volvemos a los temas de la exposición, por lo general de una manera más resumida.

Y, por último, después de la reexposición tenemos la coda, que es el trozo que el compositor usa para concluir el movimiento.

El segundo movimiento o tiempo lento, es el que más esquemas permite, pero los principales serían el tipo sonata y el tipo lied ternario. El tipo sonata es el que acabamos de describir, es decir, el movimiento sería similar en estructura al primer movimiento, solo que en tiempo lento.

                El Tipo lied ternario con forma A - B - A consta de dos secciones: la primera (A), una exposición del tema principal, con estructura de uno, dos o tres elementos. 

                    La segunda sección (B), con elementos derivados de la primera.

                    La tercera sección (A) es la reexposición de la primera.

                Si os fijáis, el tipo lied ternario es parecido al movimiento vivo inicial, simplemente     un poco menos desarrollado.

El tercer movimiento puede ser de tipo movimiento vivo inicial, un tema con variaciones o bien un rondó. 

                  El rondó es una forma musical que viene del Renacimiento y consiste en un tema principal o estribillo que va alternando con estrofas. Su estructura es muy similar a las canciones pop o rock que conocemos de sobra.

A estos tres movimientos se puede unir uno más que iría entre el movimiento lento y el final, llamado Minuet, proveniente de la forma suite y que Beethoven denominaría Scherzo.

                  El minuet es también una forma tripartita (A-B-A), una danza de compás  ternario que consta de dos secciones: el minuet propiamente dicho o tema principal y el trio, muy contrastante, normalmente con una carácter más tranquilo que la primera sección y en muchas ocasiones en modo menor. Finalmente, se vuelve al minuet inicial.

Básicamente, esto es lo que nos interesa saber de la forma sonata, pero también es importante tener en cuenta que en el Romanticismo aparece una sonata con una estructura mucho más libre, casi a modo de improvisación, con una cantidad indeterminada de episodios. El mayor representante de los compositores de este tipo de Sonata es Franz Liszt.

Conocer la estructura de una sonata es importantísimo a la hora de interpretar, porque nos ayuda a exponer todos los elementos y darles sentido. Es como si estuviéramos representando una obra de teatro con todos sus personajes y sus tramas, o como si enunciáramos un tema de Conocimiento del Medio con su esquema, sus partes y contenidos. Además, nos ayuda a memorizar y a comprender el sentido de lo que tocamos. Siempre que podáis,  debéis analizar, con ayuda de vuestro profesor, todas las sonatas que interpretéis.

Ejemplo del análisis del 1º Movtº de la Sonata Kv.545 en Do M de W. A. Mozart