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18 de abril de 2019

Después de un trabajo bien hecho llega el premio.

Cuando realizamos un estudio metódico y cuidadoso, después de tanto esfuerzo que al comienzo no vemos un resultado óptimo, nos llega el éxito final en forma de una calificación satisfactoria, un concierto brillante y, sobre todo, la satisfacción personal de un trabajo bien elaborado. Una felicidad prolongada en el tiempo y en nuestra evolución personal.

El mejor ejemplo lo tenemos en esta pequeña gran intérprete  "jugando" y divirtiéndose con la balalaika. Su nombre en Anastasia Tyurina y, con solo 7 años, se lo pasa así de bien interpretando "Valenki".  Si bien es cierto que sus cualidades interpretativas son impresionantes, en realidad ¿pensamos que no ha realizado además un estudio meticuloso para llegar a este resultado?

Disfutad con esta interpretación y observad su grado de felicidad.

Anastasia Tyurina con solo 7 años

6 de febrero de 2019

Pero... ¡¡¡¿CÓMO DEBO ESTUDIAR?!!!

Esta es la pregunta que se hacen continuamente los alumnos y alumnas de piano cuando llegan a clase y, después de "supuestas" sesiones de estudio, su profesor o profesora de piano les dice que no están bien abordadas las obras o estudios.
El problema reside en la forma de estudio que tienen. No consiste en repetir las obras o estudios desde el principio al fin sin reparar en nada, donde la concentración y la atención juega un papel mínimo. Así pierden el tiempo, la motivación y la esperanza de conseguir llegar a algún buen "puerto".
Los profesores intentamos trabajar en el aula utilizando estrategias que el alumnado debe usar en sus casas, pero que caen en el vacío la mayoría de las ocasiones, recurriendo siempre al mismo método: muevo los dedos por el teclado hasta que llegue la hora prevista de finalización del estudio... y así día tras día. El tiempo pasa demasiado rápido y las obras no llegan a su término en el momento preciso. 
Con todo esto crece la preocupación en los padres de los alumnos y alumnas, si yo le oigo estudiar ¿cómo es que no hay ningún avance? ¿de qué forma les podemos ayudar en casa? Obviamente poco pueden hacer los padres cuando son los alumnos y alumnas las que tienen la solución en su cabeza y en un correcto método de trabajo fruto de la concentración constante.
Para poder ayudaros a padres y alumnos os brindamos un extracto de “Estrategias de aprendizaje para el éxito musical” de Michael Griffin, un educador, conferenciante, autor y pianista. Ha dado conferencias en veinticinco países. Sus tópicos centrales son la práctica, actitud, metacognición y motivación intrínseca.   



El cerebro del piano: la repetición para el desarrollo del talento
Por Michael Griffin


El inflexible y automático conocimiento adquirido a través de la repetición es el fundamento de una interpretación competente. De todos modos se debe hacer una advertencia: el cerebro que aprende no distingue entre buenos y malos hábitos, sino que aprende lo que repetimos. La repetición crea solidez y los hábitos son difíciles de corregir. En particular, es esencial  prestar atención a la precisión rítmica, ya que los motivos rítmicos se instalan fuertemente en la memoria y son difíciles de cambiar una vez establecidos.

Los aprendices inexpertos luchan con la disciplina requerida para la repetición y se adormecen dentro de una falsa sensación de maestría cuando juzgan que han tocado un pasaje razonablemente bien. Sin la suficiente repetición, sin embargo, el aprendizaje se desenreda pronto. Lo mejor para los profesores es practicar ante los estudiantes, ejemplificando el “cómo” de la repetición y dando a los jóvenes músicos un número específico de repeticiones como objetivo en su práctica. Así como los estudiantes se convierten en aprendices más maduros, ellos mismos regulan la repetición, dependiendo de la complejidad del pasaje. Los expertos repiten pasajes cortos de música una y otra vez.

La mayoría de músicos cesan de repetir cuando tocan un pasaje correctamente, pero es crucial que continúen repitiendo después de este punto. Las conexiones cerebrales se refuerzan y consolidan con la mielina, una substancia que aísla el axón de una neurona, conocida como la sustancia blanca del cerebro. El desarrollo de la mielina parece ser una clave para aprender y mantener capacidades porque incrementa la velocidad y la precisión de la transmisión de datos. La formación de mielina es más importante que el número de neuronas. El cerebro de Albert Einstein, por ejemplo, no poseía más neuronas que el cerebro normal, pero tenía dos veces más cantidad de mielina. Los expertos tienen más mielina desarrollada en los circuitos neuronales correspondientes a su especialidad que los no expertos. En 2005, un profesor sueco encontró una correlación positiva entre el desarrollo de la mielina y el número de horas que los pianistas profesionales practicaban. La mielina es producto de la actividad y es un aspecto de la plasticidad del cerebro, un término que se refiere a cambios físicos en el cerebro.

La plasticidad cerebral incluye un incremento en la producción de mielina y un incremento en el número de conexiones entre neuronas. En el aprendizaje musical, incrementar la repetición de una frase tras tocarla correctamente incrementa la mielina, que apoya una interpretación consistente y precisa.

“El amateur practica hasta que está bien. El profesional practica hasta que no puede estar mal”- Stephen Hillier.

“El amateur cesa de repetir cuando está bien. El profesional repite después de esto para consolidar el manto de mielina de la vaina del axón”- Michael Griffin.

Es común confundir los efectos de la interpretación temporal con el aprendizaje a largo plazo. El profesor o el padre puede confundir la frase “pero yo lo toqué mejor ayer” como una mentira inocente, y el estudiante podría desilusionarse porque pensará que los bloques de repetición deberían haber sido suficientes para un aprendizaje más permanente.

Hay dos problemas aquí: primero, incluso con la repetición espaciada, el proceso de consolidación lleva tiempo. No podemos predecir cuántas repeticiones requerirán para resolver una habilidad, pero la naturaleza humana casi siempre subestima esto. Si un pasaje que un estudiante pensó que aprendió ayer es un embrollo hoy, el alumno debe repetir el proceso de repetición. Intentad no desanimaros. Esta es una parte natural de adquirir una habilidad. Los recuerdos no se forman justo en el momento del aprendizaje, así que puede llevar varias sesiones el que las conexiones neuronales se vuelvan fuertes. Algunas personas parecen aprender más rápido que otras, pero aprender no es una carrera, y todos somos capaces de desarrollar habilidades complejas a través de la repetición. Puede llevar a una persona seiscientas repeticiones durante dos semanas para consolidar una frase, mientras que a otra persona puede llevarle solamente trescientas repeticiones. Los alumnos deben aprender a ser pacientes y a creer en el poder de la repetición.

REPETICIÓN BLOQUEADA Y ESPACIADA

Recientemente estaba viendo la televisión cuando una pausa para anuncios interrumpió mi programa. Los anuncios son como poco molestos, pero este grupo de cinco realmente me impactó. Esto es porque uno de los anuncios se repitió tres veces, no seguidas, pero con un anuncio diferente en medio. Justo cuando lo  había olvidado, el anuncio volvió para hechizarme. ¡Yo que pensaba que la forma rondó era solo un concepto musical!  A B A C A

El anuncio repetido A estaba deliberadamente intercalado con otros comerciales. El arreglo estaba inteligentemente diseñado para hacerme olvidar y recordar, y encontré difícil retirar de mi atención el anuncio durante cierto tiempo después. Hube de reconocer que esta técnica de márquetin era realmente exitosa. Había “aprendido” el anuncio. Cambié de dirección esta molestia para mi beneficio.

Un psicólogo alemán, Hermann Ebbinghaus, reveló con fama la “curva del olvido”, proponiendo que los estudiantes olvidan el noventa por ciento de lo que aprender en un período de treinta días. Más allá de este desalentador hallazgo, la pérdida más significante de memoria ocurre durante la primera hora. La memoria se hace más robusta cuando la información se repite en intervalos medidos. A más ciclos de repetición, mejor aprendizaje, y a más espacios entre las repeticiones, mejor.

Imagina que tienes treinta minutos disponibles para practicar y has decidido trabajar en tres pasajes concretos. ¿Cómo distribuirías esta cantidad de tiempo? 
Podrías practicar los pasajes en tres bloques consecutivamente:
Pasaje A- diez minutos  Pasaje B- diez minutos  Pasaje C-diez minutos.

O podrías practicarlos de la siguiente manera:
Pasaje A-cuatro minutos,  Pasaje B – tres minutos,  Pasaje A- tres minutos, 
Pasaje C- cuatro minutos, Pasaje B- cinco minutos, Pasaje A- tres minutos, 
Pasaje C- seis minutos, Pasaje B-dos minutos.



El primer método se refiere a repetición bloqueada. El segundo, como el ejemplo del anuncio de televisión, se conoce como repetición espaciada.

Repetición bloqueada se refiere a ceñirse a una tarea sencilla hasta que se aprenda efectivamente, y entonces progresar hasta la siguiente tarea de aprendizaje. La repetición espaciada cambia entre diferentes tareas durante el curso de una sesión simple de práctica. En ambos métodos, uno encuentra el mismo material para la misma cantidad de tiempo total, pero con el concepto de la práctica distribuida, espaciar las repeticiones expone a uno a aprender la tarea repetidamente durante un período de tiempo más largo.

La  repetición bloqueada es una técnica útil para introducir nuevas habilidades para crear una base. Es efectiva para principiantes ya que les permite concentrarse en una tarea sencilla. Incluso para músicos avanzados, los pasajes muy difíciles requieren una concentración sencilla que podría ser interrumpida si uno cambia frecuentemente entre tareas. Sin embargo, la repetición bloqueada requiere de un compromiso intenso por parte del estudiante. Si la concentración declina durante la repetición bloqueada, el progreso puede estancarse y posiblemente deteriorarse. Es esencial permanecer atento y totalmente alerta durante la práctica.

Dando por sentado que el tiempo de práctica no sea restringido y que el estudiante tiene la habilidad metacognitiva de determinar objetivos prácticos, la repetición espaciada es más efectiva que la bloqueada. Variar tareas prácticas crea frecuentemente interferencias, lo que lleva a un grado de olvido. Así como con la  práctica distribuida, los beneficios de la repetición espaciada se reflejan en una formación más fuerte de la memoria debido al principio de olvidar y rescatar (recordar). Cuando uno revisita el material de aprendizaje una reconstrucción neuronal da lugar dejando una impresión más profunda en el cerebro.

La repetición espaciada puede ser frustrante porque conlleva fallos más frecuentes y un mayor esfuerzo mental, pero las recompensas merecen este esfuerzo extra. Los equipos de marketing y los estudiantes de música usan la repetición espaciada, así como los atletas profesionales. Por ejemplo, los golfistas tienen que jugar golpes de distancias variadas. Mientras los ejercicios de repetición bloqueada requieren que un golfista golpee muchas bolas consecutivas a una misma distancia antes de practicar a otra distancia, la repetición espaciada alterna la distancia replicando las demandas reales en competición. En esfuerzos basados en el talento como tocar el piano, los ejercicios pueden aportar una ilusión de competencia. La mayoría de los profesores han escuchado a sus estudiantes decir “Pero si me salía mejor ayer”

La repetición espaciada puede funcionar en concierto con la repetición bloqueada, por lo que los profesores de música deberían modelar cómo una sesión práctica podría alternar entre las dos. La práctica técnica también debería ser modelada a estudiantes en ensayos en grupo. En cualquier ensayo, apunto a revisitar los pasajes que requieren la mayor atención al menos tres veces durante el ensayo. Respondo a las quejas iniciales de los estudiantes (“Pero si hemos practicado esa pieza ya”) explicando lo racional detrás de la repetición espaciada. Los profesores no pueden esperar que sus alumnos integren estos conceptos de aprendizaje si no los exhiben en su propia metodología.
  Traducción realizada por Jesús Menéndez

Esperamos que estas técnicas de estudio os hayan sido de ayuda y recordad, lo más importante es no cejar en el empeño, mantener la concentración y, sobre todo, 
NO DESANIMAROS.
 

18 de mayo de 2018

AUDICIÓN DEL SEGUNDO TRIMESTRE


Hemos actualizado la página de "Fotografías" con nuevas instantáneas de alumnos que han participado en audiciones públicas organizadas por el departamento de piano dentro del segundo trimestre del curso 2017/18.

11 de mayo de 2018

V Concurso de Coros infantiles y juveniles "Ciudad de Oviedo"

Desde el blog Piano Aula queremos felicitar al Coro de Voces blancas del Conservatorio Profesional de Música y Danza de Gijón, y en especial a su director, Jesús Gavito Feliz.
 El pasado 21 de Abril En el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo les han proclamado vencedores con el "Primer premio" así como con el "Premio a la excelencia" en el  V Concurso de Coros infantiles y juveniles "Ciudad de Oviedo".


El coro de voces blancas del conservatorio fue creado en 2007 por Sara Elorza Álvarez-Uría y desde el curso 2016/17 le dirige Jesús Gavito Feliz abriendo una nueva etapa.
Han participado en distintos festivales y eventos siempre con un fin didáctico, social o benéfico, actuando en el Teatro Jovellanos, el Teatro de la Laboral, los centros municipales y culturales de Gijón, el Auditorio "Príncipe Felipe"de Oviedo, el Conseratorio Profesional de Santiago de Compostela, para la Fundación "Gomaespuma", en proyectos de musicoterapia colaborando con la unidad de dolor del Hospital de Cabueñes de Gijón. 

El 28 de Diciembre de 2017 en el Teatro de la Laboral interpretaron una selección de canciones de la película "Los chicos del coro" junto a Les petits chanteurs du Saint Marc du Lyon.



En una de sus interpretaciones en el V Concurso de Coros infantiles y juveniles "Ciudad de Oviedo" donde alcanzaron el Primer Premio y el Premio a la Excelencia.



4 de mayo de 2018

EL PEDAL: Pedal de Resonancia



Hasta ahora en pianoaula no habíamos tratado uno de los pilares fundamentales de la técnica pianística: el uso del pedal. En los pianos modernos lo habitual es encontrar tres tipos de pedal: el de la derecha o pedal de resonancia, el central o tonal y el de la izquierda o pedal una corda. Cada uno, al ser empleado, cumple su función correspondiente.

Lo que hay que tener muy presente es que el pedal desde el primer momento ha formado parte del instrumento con mecanismos manuales que accionaban los apagadores  por lo que fue utilizado como un recurso más por los compositores y los intérpretes dándole una importancia irrelevante. Fijaos lo que decían sobre el pedal:

          

         “Cuanto más practico, más me convenzo de que el pedal es el alma del piano y de que hay momentos donde el pedal lo es todo” (Anton Rubinstein, 1829-1894).

         “Un buen empleo del pedal constituye la mitad de la interpretación” (Anton Rubinstein, 1829-1894).

         “El uso juicioso del pedal es un estudio de por vida” (Frédéric Chopin, 1810-1849).
         “El pedal, la respiración del alma” (Franz Liszt, 1811-1886).
         “El pedal es el claro de luna que inunda el paisaje” (Ferruccio Busoni, 1866-1924).

       “El pedal goza de mala reputación. Ello se debe a las libertades insensibles que la gente se ha tomado con él. Dejemos, pues, que se tomen libertades significativas” (Ferruccio Busoni, 1866-1924).

         “El pedal permite mantener un canto, revalorizar su seducción” (Marguerite Long, 1874-1966)

         “No utilizar para nada el pedal es la excepción; utilizarlo de manera constante pero razonablemente, es la regla” (Heinrich Neuhaus, 1888-1964).
         “El legato es el pastel y el pedal es la crema que hay en su interior” (Dinu Lipatti, 1917-1950).

         “El pedal es la tercera mano del pianista” (Yvonne Lefébure 1898-1986).

         “No hay que poner el pedal con los pies sino con los oídos” (Theodor Leschetizsky 1830-1915).

         “El pedal de cambios parciales facultará al intérprete para modelar su sonido de la misma manera que un escultor modela su arcilla” (Maurice Dumesnil 1884-1974).



Pedal de resonancia


Puede que os parezca curioso que en la época de Mozart ya existiera el mecanismo del pedal, que entonces era de rodillera, es decir, se accionaba mediante la rodilla empujando hacia arriba por debajo del teclado.



Funcionamiento interno del piano
El mecanismo del pedal provoca, que, al ser accionado, se levanten los apagadores de las cuerdas, lográndose un hermoso efecto de resonancia. El efecto es tanto más agradable cuando estamos sosteniendo un acorde o serie de acordes que sean armónicamente similares, por ejemplo un acorde de do séptima de dominante.


Al proceso de levantar el pedal lo llamamos “limpiar el pedal”. De esta manera los apagadores vuelven a su sitio y podemos accionar el pedal nuevamente para mejorar el sonido de un nuevo acorde.


Estudio práctico sobre los pedales del piano. F. Marshall
El trabajo de escucharse es básico para el buen uso del pedal ya que dependemos no sólo de la sonoridad del instrumento y de la sala sino también de la melodía, la dinámica, los acentos rítmicos y, sobre todo, los cambios armónicos que son los que determinan cuando apagar la sonoridad anterior para comenzar con la nueva y evitar así que se superpongan sonoridades que no son estéticamente o armónicamente “aceptables”.



El pedal pianístico. J. Banowetz
Otro aspecto importante es controlar el movimiento del pie sobre la palanca del pedal. Empezamos colocando el pie derecho sobre la palanca manteniendo el talón siempre en el suelo y la parte superior del pie en contacto continuo con el pedal, así evitamos dar golpes en la palanca que ensuciarían nuestra interpretación. Observamos también el recorrido que tiene la palanca, así que vamos presionando poco a poco hasta el fondo para luego dejar subir muy despacio el pedal, todo este movimiento lo hacemos mientras tocamos un sonido y escuchamos atentamente donde comienza y donde termina la vibración de los armónicos.



El pedal de resonancia: el ALMA del piano. A. Nieto
Hay muchas formas de poner el pedal de resonancia, o pedal derecho, dependiendo de cuánto quieras profundizar en su recorrido o de cuándo quieras presionarlo y elevarlo. Imaginaos, Albert Nieto, pianista que ha escrito el libro “El pedal de resonancia: el Alma del piano” reconoce hasta 13 maneras diferentes. Pero nosotros vamos a explicaros los más utilizados para los alumnos de los primeros cursos.



Curso de pedalización. U. Molsen

La manera más habitual de cambiar el pedal es el llamado pedal sincopado. Puede que estéis aprendiendo a hacer esto en clase o puede que lo hayáis aprendido el curso pasado. No es difícil pero se requiere cierta coordinación de movimientos entre los dedos y el pie derecho. Se trata de presionar el pedal justo después de tocar la nota que queremos pedalizar y levantarlo cuando tocamos la siguiente. Un buen ejercicio puede ser repetir el mismo acorde como si fuera una redonda unas cuantas veces y accionar el pedal cada vez, de la siguiente manera: tocamos el acorde mientras contamos los pulsos en voz alta y accionamos el pedal en el segundo pulso, volvemos a tocar
Rítmica, dinámica y pedal.  Leimer-Gieseking
el acorde y levantamos el pedal para volver a accionarlo inmediatamente en el segundo pulso del siguiente acorde, así sucesivamente, cuando veáis que ya no pensáis en movimiento del pie podéis acelerar el pulso. Este ejercicio también se puede practicar tocando las notas de una escala. Una vez consigamos tocar sincopadamente el pedal podemos probar a cambiarlo con acordes diferentes. Pero, cuidado, siempre tiene que estar vuestro OÍDO muy atento.



Método teórico práctico. E. Granados
Otra manera de utilizar el pedal de resonancia es el llamado pedal de apoyo, más fácil de utilizar porque se toca a la vez que la nota o acorde. Sirve para dar un poco más de énfasis a determinadas notas sin darles la relevancia del pedal sincopado.

Se puede decir que el pedal sincopado nos sirve para hacer resonar armonías y el pedal de apoyo para hacer resonar notas o acordes en concreto, de una manera breve.



Os recomendamos que no presionéis el pedal hasta el fondo para que podáis realizar los cambios de pedal más ágilmente.


El pedal de resonancia se usa más a partir del Romanticismo y sobre todo en el Impresionismo. En el Clasicismo se debe usar con precaución, menos en Haydn, un poco más en Mozart y más libremente en Clementi o Beethoven. Siempre para mantener armonías o dar más sonoridad. En el barroco también tenemos que ser muy cautos a la hora de utilizar el pedal de resonancia, ya que la música barroca estaba pensada para instrumentos de tecla como el clavecín, que no tenían apagadores, y con una resonancia mucho menos amplia que la del piano. En el caso de pasajes arpegiados podemos utilizarlo con más libertad y en el resto de pasajes podemos utilizar sobre todo pedales de apoyo. Esto va sobre todo a gusto del intérprete, pero los más respetuosos con el estilo barroco utilizarán el pedal de resonancia de una manera mucho más discreta que en estilos posteriores.


  Sonata Hob. XVI/50 de F. J. Haydn (Allegro)
Muchos compositores especialmente desde la segunda mitad del s. XIX ya realizan indicaciones de dónde utilizar el pedal, por eso es importante trabajar con ediciones lo más semejantes posibles al original, las llamadas URTEXT (hablaremos en otra ocasión de este tema). Pero, ¿sabéis quién ha sido el primer compositor en hacer una indicación de pedal? Pues F. J. Haydn, por el año 1794 compuso una sonata para piano, concretamente la Sonata Hob. XVI/50 en Do M, en el desarrollo del primer movimiento indica en inglés “open pedal” aunque se supone que no se refería al pedal derecho sino al pedal “una corda” (del que hablaremos en una nueva entrada), dicho pedal en aquella época apareció en los nuevos pianos de Broadwood en Inglaterra, pero no en los instrumentos contemporáneos en el resto de Europa.


Ahora toca coordinar bien los dedos con el pie y empezar a practicar pero... acordaos... EL OÍDO SIEMPRE ALERTA para que el resultado sea el mejor.
Escuchad estos dos ejemplos, muy diferentes, de cómo poner el pedal según la textura de la obra (fijaos no solamente en el movimiento del pie, sino también en el de los apagadores)


Estudio Op.10 nº 1 de F. Chopin interpretado por el pianista ruso Vyacheslav Gryaznov. 




"Allegro Bárbaro" de Béla Bartók interpretado porTymoteusz Śleziak, con tan solo 14 años.